Extindând conținutul și experimentând forma, avangarda găsește o nouă casă agreabilă online, așa cum demonstrează două oferte recente.

virtuală

Întrucât pandemia a trimis majoritatea formelor de artă care se strecoară în găurile alunițelor, unii au trebuit să se adapteze mai mult decât alții. În teatru, schimbarea a fost deosebit de pronunțată, echivalând cu o răsturnare completă cu capul în jos: jucătorii mari nu se pot strânge în noile spații de cazare, dar cei mici se simt ca acasă.

Așadar, experimentele, marginile și avangarda, care nu au depins niciodată de finanțarea fastuoasă sau de atenția populară, nu numai că supraviețuiesc în săpăturile lor online, ci și, cel puțin prin contrast, prosperă. Dieta mea ca critic de teatru a răsturnat la fel. Eliberat temporar de muzicalele cu tonomat de pe Broadway și de revigorări de 16 săptămâni, iau mai multe lucruri neobișnuite ca niciodată și găsesc mai multe de apreciat în el.

Sau mai multe de învățat din ea, cel puțin.

Numai săptămâna trecută am urmărit o adaptare slapstick a unui clasic science fiction pus în scenă într-un dulap de Teatrul în carantină, un spectacol aproape fără cuvinte de păpuși din umbră de la Manual Cinema și o dramă pandemică Zoom concepută de Source Material. Sâmbătă am adăugat o memorie autobiografică în fața ta despre un scaun cu rotile și o piesă de memorie multimedia produsă, parțial, de un think tank academic.

Atenție, materialul neobișnuit, prin natura sa, nu este întotdeauna la fel de coerent sau fermecător ca cel comercial. Nici totul neobișnuit este întotdeauna atât de proaspăt; deși o parte din ceea ce am văzut făcea debutul prin livestream, o parte din acestea au fost înregistrate. (Emisiunea Manual Cinema, „Lula del Ray”, face parte din retrospectiva a 10-a aniversare a companiei.) Mai mult, la fel ca alunițele de pretutindeni, producțiile experimentale online pot fi greu de prins: apar destul de brusc și dispar repede.

Dar merită efortul de a-i urmări, deoarece ei fac munca importantă pe care avangarda a făcut-o dintotdeauna, doar acum pe computerul dvs. și adesea gratuit. Împing teatrul către conținut și forme noi.

Accesibilitatea este o temă cheie în piesa „Scrounger” a Athenei Stevens, care a fost înregistrată în fața unui public live în ianuarie la Finborough Theatre din Londra, cu 50 de locuri. (Înregistrarea poate fi transmisă în flux pe YouTube până la ora 19:00 Est, pe 3 august și din nou pe 31 august.) Este dificil de experimentat: este practic un monolog, interpretat de Stevens, cu Leigh Quinn asistând într-o varietate de roluri. Dar, din păcate, este o avangardă în ceea ce privește preocupările sale, promovând o discuție întârziată cu privire la a face ca persoanele cu dizabilități să fie primite în teatru atât ca public cât și ca artiști.

Stevens, un dramaturg născut în Chicago, care trăiește acum în Anglia, are o paralizie cerebrală. „Scrounger”, în regia lui Lily McLeish, este povestea adevărată înfricoșătoare a modului în care a fost dat afară din zborul British Airways de la Londra la Glasgow, deoarece echipajul avionului nu și-a putut încadra scaunul cu rotile motorizat în cală - și ulterior l-a „aruncat”. Nici reglementările Uniunii Europene și nici o campanie de socializare care a atras mii de susținători nu păreau să ajute; a rămas aproape blocată în apartamentul ei săptămâni întregi.

Spune multe despre tonul mordant al lui Stevens că ea a numit piesa (și personajul ei) pentru insultele pe care le-au aruncat urăștii online, de parcă ar fi comis o înșelătorie în loc să încerce să-și recapete mobilitatea independentă. De asemenea, o parte a strategiei sale este lipsa totală de gratitudine, nu numai față de autorități, ci și față de iubitul ei și chiar de public. Ea începe piesa, felicitându-ne pentru că suntem atât de „încântător de progresivi” încât să urmărim „un spectacol freak borderline”, pentru a ne lăuda mai târziu.

„Veți spune cât de greu a fost să mă urmăriți”, prezice ea șubred, „dar ați rămas prin momentele incomode pentru că sunteți o persoană bună care așteaptă ca un sărac străin ca mine să fie un vibrator pentru ego-ul vostru.”

Această parte era de fapt greu de urmărit și de auzit; subtitrarea a fost de puțin ajutor în interpretarea unora dintre discursurile lui Stevens. (Adesea este redat „Scrounger” ca „măreție”.) Dar dificultatea a fost potrivită: handicap sau nu, oamenii nu se înțeleg ușor. Și nu s-a înșelat impactul trecerii piesei de la anecdotă la perspectivă, întrucât toate căile Scrounger către recurs ajung la un punct mort. „Nu putem vedea ce vrem în lege, ceea ce credem că ar trebui să fie acolo atunci când nu este cu adevărat”, spune ea cu tristețe.

Lucrările obișnuite nu vă vor spune de obicei, așa cum face „Scrounger”, că optimismul este doar un alt privilegiu pe care doar câțiva și-l pot permite. Dar lucrările experimentale ale dramaturgilor negri, care încep acum să ajungă la un public larg, ne arată asta de ceva vreme. Stevens, care este albă, spune că a fost influențată de scriitori de culoare precum Branden Jacobs-Jenkins și Arinzé Kene, cel puțin pentru a afla cum să scrie despre dizabilități fără a scrie o „piesă de handicap”. Ceea ce cred că i-a lipsit de la acei dramaturgi, cel puțin în „Scrounger”, este spiritul de formare care însoțește adesea extinderea conținutului.

„O fermă pentru meme” a lui Virginia Grise are o formă de rupere. O meditație de 20 de minute asupra creșterii, morții și renașterii, amestecă marionete de cutie, piese de umbră, filme live și imagini de arhivă într-o superbă punere în scenă care se simte teatrală în estetica sa de casă intenționată. Brațele sunt realizate din hârtie de construcție roșie; tulpini de flori, de benzi de măsurare.

La fel ca lucrarea anterioară a lui Grise, inclusiv premiatul „blu”, povestea în sine este poetică și simbolică - poate prea mult, chiar și într-o piesă atât de scurtă. Dar este ancorat în realitatea fermei South Central de 14 acri care a apărut după revoltele din 1992 din Los Angeles. Când un copil își atrage amintirile despre acel Eden după ce a fost buldozat, o femeie (Marlene Beltran) spune povestea familiei ciudate și a culturii vibrante Chicano care a înflorit printre nucii săi.

Regizat („practic”) de Elena Araoz, „o fermă pentru meme” a fost produsă de un consorțiu care include Teatrul Cara Mía din nordul Texasului și Inovații în performanțe social distante, un program de cercetare academică pe care Araoz îl conduce la Universitatea Princeton. Vom avea nevoie de aceste inovații, deși este greu de spus dacă toate cele despre care am auzit la un seminar însoțitor sunt viabile. Joacă pe eBay? Publicul fantomă?

Dar asta este ideea, într-adevăr. Ideile apar din subteran în timpul crizelor, datorită oamenilor care nu au putut găsi o platformă înainte. Acum, că sugerează noi tipuri de povești și noi moduri de a le spune, putem spera că, în curând, restul teatrului va începe să le reunească?