Carl Van Vechten, Portretul lui Joan Miro, Barcelona, ​​1935. Imagine prin Wikimedia Commons.

știți

Când poetul francez André Breton și-a scris Manifestul suprarealismului în 1924, cimentând una dintre cele mai importante mișcări ale secolului XX, el a revendicat ca asociați unii dintre cei mai importanți artiști de avangardă ai perioadei: Marcel Duchamp, Francis Picabia, Man Ray, Henri Matisse și Pablo Picasso, printre alții. Dar, retrospectiv, un singur nume este omis în mod clar din selecția lui Breton: pictorul catalan Joan Miró.

Cu doar un an mai devreme, Miró, care avea sediul între Paris și Spania, începuse să lucreze la The Tilled Field (1923) și The Hunter (Catalan Landscape) (1923–4), picturi ale căror câmpuri lirice fantastice cu referințe neobișnuite - învârtejitoare, forme abstracte, părți plutitoare ale corpului și animale distorsionate - aliniate îndeaproape cu preocupările suprarealiștilor. Într-adevăr, lucrările reflectau îmbrățișarea lui Breton de imagini de vis și „automatism psihic”: o practică care urmărea să dea o licență creativă minții inconștiente prin desen sau pictură nemediata. Miró va încorpora această metodă în munca sa pentru restul carierei sale.

Pentru artistul catalan, conflictul dintre un flux impulsiv de conștiință și deliberările atente ale minții intelectuale a fost un teren fertil și i-ar conduce opera într-o explorare formală mai mare într-o serie de suporturi - de la amprente, sculptură și ceramică la vitralii, scenografie și chiar tapiserie. Începând cu anii 1920, studioul lui Miró din Paris ar fi un loc de întâlnire experimental pentru artiști și scriitori, prezentându-l la gânditori și personalități culturale precum Antonin Artaud, Robert Desnos, Jean Dubuffet și Ezra Pound.

Având în vedere căutarea sa artistică drept o provocare a picturii tradiționale și un asalt asupra societății burgheze care a produs-o, Miró a dezvoltat un limbaj distinct simbolic de forme simplificate, biomorfe sau realiste. Înaintea inovatorilor pictori suprarealisti Salvador Dalí sau René Magritte, Joan Miró a contribuit la o definiție vizuală a tinerei mișcări, influențând generațiile de artiști care vor veni.

Cine a fost Joan Miró?

Joan Miró era încă tânăr când s-a mutat la Paris în 1920. S-a născut la Barcelona în 1893 și a primit o introducere timpurie în arte, urmând cursuri de artă de la vârsta de 7 ani. Până în 1912, deja își abandonase afacerea. educația școlară și poziția funcționarului - presupus din cauza unei crize nervoase, a unei crize de febră tifoidă sau a ambelor - să studieze la o școală locală de pictori.

El a favorizat munca postimpresioniștilor și a lui Fauves, iar picturile sale timpurii au fost caracterizate de peisaje vii, cu perii, portrete și naturi moarte. În 1918, dealerul de artă Josep Dalmau i-a oferit prima sa expoziție individuală. În aceeași perioadă, a început să se concentreze mai mult pe linie, formă și structură. Informat de arta populară și de frescele romanice ale așa-numiților „primitivi catalani”, compozițiile sale au devenit mai directe și mai clare, adunând adesea câteva detalii fine.

Tate Gallery, Londra

Întâlnirea lui Miró cu avangarda pariziană ar aduce influențe mai moderne asupra operei sale, așa cum se vede în The Farm (1921), o interpretare semi-realistă, semi-cubistă a casei copilăriei sale. Dragostea lui Miró pentru primii pictori catalani este recunoscută prin atenția sa minuțioasă față de fiecare frunză de pe copac și brazdă în sol, în timp ce relația sa cu cubismul poate fi văzută prin modul în care aplatizează spațiul liniar al compoziției cu forme geometrice și întinderi de pigment nemodulat. (Autorul Ernest Hemingway a cumpărat tabloul, văzând în opera lui Miró încapsularea perfectă a amintirilor sale dintr-o călătorie pe care o făcuse cândva în Spania.)

La mijlocul anilor 1920, Miró își petrecea cea mai mare parte a timpului la Paris, după ce s-a alăturat oficial suprarealiștilor în 1924. Experimentând la studioul său alături de artiștii vizuali André Masson și Max Ernst, s-a trezit inspirat în egală măsură de asocierea sa cu proeminența literară. mințile mișcării, ducând la o serie de lucrări din 1924 până în 1927 pe care le-a numit peinture-poésie sau „pictură-poezie”. Aceasta este Color of My Dreams (1925), de exemplu, constă doar din acele cuvinte titulare și un mic petic de pigment albastru.

Dacă acest mod poetic a oferit o cale pentru ceea ce Miró a declarat „asasinarea picturii”, o călătorie în Olanda în 1928 l-a determinat să conteste spațiul iluzionist al picturii olandeze a vechiului maestru. În interiorul olandez I (1928) oarecum dezordonat și extrem de abstractizat, Miró a reinventat pictura lui Hendrick Martensz Sorgh a unui lăutist interpretat pentru o femeie și un câine ca o cameră plină de forme biomorfe într-un spațiu aplatizat. Adaptată la o carte poștală pe care a cumpărat-o la Rijksmuseum, mai degrabă decât la original, lucrarea lui Miró a respins naturalismul și profunzimea lui Sorgh cu un indiciu suprarealist inteligent către L.H.O.O.Q. al lui Duchamp. (1919), o lucrare care în sine se baza pe o carte poștală a Mona Lisa.

Ce l-a inspirat pe Miró?

La fel ca Duchamp, Miró s-a retras din pictură în mai multe momente din carieră, deși niciodată atât de mult timp ca artistul francez. Într-un anumit sens, atacul lui Miró asupra picturii burgheze a reflectat o dorință radicală de a reînnoi mediul prin contactul cu alte medii. În 1926, Serghei Diaghilev - al celebrului Ballets Russes - i-a însărcinat lui și lui Max Ernst să proiecteze decoruri și costume pentru o producție de Romeo și Julieta.

Doi ani mai târziu, dansatorul spaniol I (1928) l-a văzut pe Miró extinzându-se în colaj (cu creion de grăsime și cuie de oțel pe carton), reducându-și în același timp formele. Larsitatea marcării sale îl obligă pe spectator să completeze dansatorul din informații vizuale foarte limitate, o respingere suplimentară a picturii tradiționale. Vaza sa din faianță pictată (1942) de la Muzeul Metropolitan de Artă este un exemplu al producției sale prolifice de ceramică care a început în acel deceniu. Prezintă o pictură aproape infantilă a două figuri care par să zboare un zmeu pe un cer însorit.

Cu toate acestea, experimentarea lui Miró nu a fost doar formală. De asemenea, a introdus politica în arta sa. În timpul războiului civil spaniol, lui Miró și Picasso li s-a însărcinat să decoreze pavilionul spaniol la expoziția mondială din Paris din 1937 cu picturi murale. În cazul în care Picasso a creat Guernica, Miró a pictat secerătorul (țăranul catalan în revoltă), care a fost distrus sau pierdut în anul următor. Cunoscută doar din fotografii alb-negru, pictura murală dezvăluie sprijinul lui Miró guvernului republican al Spaniei printr-o portretizare semi-abstractă a unei figuri puternice care poartă o seceră.

Mai mult decât un simbol sovietic, a remarcat Miró, secera a fost, de asemenea, arma la îndemână pentru țăranul rebel, care preia cauza eroic - un omolog mândru, naționalist, al tragediei și violenței care străbate Guernica.

De ce rezistă munca lui Miró

Acolo unde alți artiști din cariera târzie s-ar putea odihni pe lauri, Miró s-a împins din nou și din nou pe un nou teritoriu. Pentru o perioadă în anii 1950, s-a concentrat aproape exclusiv pe tipografie și ceramică, iar amprentele sale au fost onorate la Bienala de la Veneția din 1954, primind marele premiu pentru lucrări grafice. Personnages and Animals (1950), o litografie color, exemplifică această incursiune în tipărire, unde reprezentările biomorfe ale lui Miró ale diferitelor persoane și animale într-un spațiu non-naturalist se potrivesc în mod corespunzător formatului bidimensional al tiparului.

Miró avea să fie cunoscut din nou și din nou în anii săi, cu o retrospectivă de carieră majoră la MoMA în 1941; includerea în prima Documenta din Kassel în 1955; un premiu internațional Guggenheim pentru picturile sale murale din clădirea UNESCO din Paris, în 1958; alte trei retrospective la Paris în 1962, 1974 și din nou în 1978; un doctorat onorific de la Harvard în 1968; și chiar Medalia de aur spaniolă pentru arte plastice, acordată chiar de regele Juan Carlos în 1980.

Printre ultimele lucrări majore ale lui Miró a fost o tapiserie pentru World Trade Center din New York, creată în 1974. La fel ca în Vaza sa, imaginea colorată, în mare parte abstractă, relevă aplicabilitatea imaginilor semi-reprezentative, onirice ale lui Miró la așa-numitul decorativ. arte. Una dintre numeroasele comisii publice sau semi-publice pe care i le-a oferit artistul în ultimii ani, tapițeria World Trade Center a fost pierdută alături de lucrările lui Alexander Calder, Louise Nevelson și Romare Bearden, printre altele, în atacul terorist din 11 septembrie 2001.

Cu toate acestea, influența lui Miró nu s-a pierdut niciodată asupra contemporanilor sau adepților săi. El a îmbrățișat practica automată timpurie a suprarealiștilor, aducându-i intelectul artistic rece și atenția la detalii - „conceput cu foc în suflet, dar executat cu răceală clinică”, pentru a folosi propriile cuvinte ale artistului.

Automatismul și figurile sale biomorfe s-au împletit pentru a deveni unul dintre modurile dominante de pictură ale suprarealismului, influențând pictorii contemporani precum Ernst, Yves Tanguy și Dalí. Mobilele lui Alexander Calder amintesc, de asemenea, de picturile lui Miró, redate în sculptură suspendată, în formă deschisă. Miró a petrecut un timp semnificativ la New York în anii 1940, unde el și alți emigrați suprarealisti au inflamat imaginația expresioniștilor abstracti ai generației următoare.

Opera lui Arshile Gorky - adesea considerat primul pictor AbEx - datorează cu siguranță datorii față de biomorfii împrăștiați, cvasi-abstracti ai lui Miró, precum și de imaginile mitice ale lui Jackson Pollock, Mark Rothko și Adolph Gottlieb din anii 1940. Mediile sale, uneori plate, dar adesea cu gradări ușoare de culoare, au fost resurse valoroase și pentru pictorii Color Field, precum și în lucrarea lui Helen Frankenthaler.

Miró a fost un artist multimedia prolific și influent care a dezvoltat un limbaj vizual unic și nu și-a pierdut niciodată flerul de experimentare. El a ajutat la înființarea Fundației Joan Miró și a Centrului de Studii de Artă Contemporană în 1975 la Barcelona pentru a încuraja dezvoltarea tehnicilor experimentale în artă și, prin aceasta, a contribuit la consolidarea moștenirii sale pentru generațiile viitoare.