Fernando Castro R.

Probabil că a fost la New York și la începutul anilor șaptezeci când am văzut pentru prima dată picturile lui Fernando Botero. Nu-mi amintesc exact care dintre ele, dar îmi amintesc ceea ce ar putea fi descris, fără îndoială, ca „stilul” lor: portrete executate ireproșabil ale unor oameni al căror cel mai vizibil numitor comun a fost portilitatea. Setările și atmosfera picturilor mi s-au părut, de asemenea, ca fiind neașteptat de familiare: poate casa unei mătuși, un mic oraș andin sau un peisaj bucolic sud-american. Erau desigur picturi figurative, oarecum naive, și s-ar putea spune și „realiste” - cu un bob de sare - deoarece chiar și obiectele din naturile sale moarte păreau prea voluminoase.

Mario Vargas Llosa a respectat, de asemenea, jargonul „volumului” lui Botero în prologul cărții Botero (Ediții La Difference. Paris: 1984). Potrivit lui Vargas Llosa, pentru Botero, obezitatea este mai degrabă un punct de vedere și o metodă decât o realitate concretă. „Bărbații săi grași demonstrează o dragoste pentru doamnă, pentru volum, pentru culoare. Ele sunt mai degrabă o sărbătoare vizuală decât glorificarea dorinței, un cântec al apetitelor sau o apărare a instinctului ”. Mă întreb: de ce să evit elefantul alb din cameră? Puterea retoricii este mai mare decât dovezile simțurilor? Ne vom opri din a vedea figurile lui Botero ca fiind obezi și vom începe să le vedem ca fiind pur și simplu voluminoase? Sau vor suna adevăratele cuvintele bardului: „Un trandafir cu orice alt nume ar miroase la fel de dulce”?

Picasso a trecut prin perioade în care volumul a jucat un rol substanțial în reprezentările sale despre corpul uman, dar figurile pe care le-a produs erau rareori atât de dublu, deci ... Prețios. Singurul caz cel mai vizibil și descumpănit al portilității subiectului este probabil descrierea din 1540 a lui Henry al VIII-lea de Hans Holbein cel Tânăr. Cu toate acestea, se citește mai mult decât volum în acel portret istoric regal; obezitatea regală și contextul său biografic reprezintă o parte importantă a acelei lucrări. Pe scurt, ar fi foarte dezamăgitor să credem că opera lui Botero este o simplă explorare a volumului, având în vedere că există mult mai mult; atât de mult în joc în reflectarea despre portilitate, cauzele și efectele sale sociale, inclusiv percepțiile.

Există un punct suplimentar de făcut. Nu se poate să nu ne întrebăm dacă în mare parte din opera lui Botero există o înclinație pentru satiră, ținută la distanță de un umanism profund. Este un fel de satiră care își propune să dezvăluie condiția umană la Goya sau la Daumier. Privitorul trebuie să se hotărască în legătură cu opera lui Botero în timp ce el/ea vede prin lentilele sale satirice reprezentări nu numai ale culturii columbiene (dans, prostituție, armată, cler, și colab.), precum și a istoriei picturii în sine, de la o Mona Lisa puternică la o Menina dolofană, de la un colonel puternic Aureliano Buendía la o căsătorie Arnolfini umflată.

Portretul lui Mario Vargas Llosa (1988)

Pentru a fi corect, pentru a aprecia picturile lui Botero în mod corespunzător, trebuie să treci de percepția prețului, faimei și puterii și să angajezi expresia tematică și corporală, confluența liniei și formei, starea de spirit, contextul și relevanța. Filosoful Arthur Danto (1924-2013), unul dintre cei mai lucizi critici de artă americani, a făcut exact asta într-un eseu intitulat Corpul în durere (Natiunea, 2006) despre picturile lui Botero despre prizonierii lui Abu Ghraib din Guantánamo. Botero a produs această lucrare în 2005, după ce a făcut o muncă similară cu privire la violența din Columbia natală. El s-a oferit să doneze toate lucrările din expoziție unui muzeu sau muzee care s-ar angaja să arate cel puțin unele dintre ele permanent.

Danto a scris: „După cum se dovedește, imaginile sale de tortură, acum vizionate la Galeria Marlborough din centrul orașului Manhattan și compilate în carte Botero Abu Ghraib, sunt capodopere ale a ceea ce am numit arta disturbatorie - artă al cărei scop și scop este de a face din vii și obiective cele mai înspăimântătoare gânduri subiective ale noastre. Lucrările uimitoare ale lui Botero ne fac să ne dăm seama de acest lucru: știam că prizonierii lui Abu Ghraib sufereau, dar nu am simțit acea suferință ca a noastră. (...) Imaginile lui Botero, în schimb, stabilesc un sentiment visceral de identificare cu victimele, ale căror suferințe suntem obligați să le interiorizăm și să le facem vicare. (...) Misterul picturii, aproape uitat de la Contrareformă, stă în puterea sa de a genera un fel de iluzie care are mai puțin de-a face cu percepția picturală decât cu sentimentul. (…) Deși prizonierii sunt vopsiți în stilul său de semnătură, manierismul său mult jignit ne intensifică angajamentul cu imaginile. Acest lucru se datorează parțial faptului că carnea grea a prizonierilor - ruptă și sângerând din cauza bătăilor - pare cu atât mai vulnerabilă la durerea provocată. În timp ce fețele lor sunt în mare parte acoperite cu glugi, legături la ochi și chiloți pentru femei, gurile lor sunt răsucite în expresii de durere sau agonie ".

Prizonier Abu Ghraib (2005)

Comentariile lui Danto despre aceste lucrări ale lui Botero sunt deosebit de grăitoare tocmai pentru că este unul dintre gânditorii care au dat credință multor artiști contemporani - de la Andy Warhol la Damien Hirst - blamate de criticii reacționari pentru tot ceea ce nu este în regulă cu arta astăzi. Atenție, Danto nu este unul dintre diletanții opaci și obscurantici care au transformat critica într-un joc în care operele de artă contează puțin și adeziunea la teoriile absurde este primordială.

fernando

„Doi prieteni” 2012 Ulei pe pânză 66 x 53 țoli - 167 x 135 cm Semnat în dreapta jos, „Botero 12” proveniență. Achiziționat direct din colecția artistului

Portret oficial al juntei militare (1971)

Timp de decenii, picturile și sculpturile semnate de Botero s-au răspândit în întreaga lume. Este un artist prolific, despre care se spune că a produs peste 3.000 de picturi, peste 300 de sculpturi și o multitudine de desene și pasteluri. De fiecare dată când vizitez New York-ul, văd mai multe dintre sculpturile sale supradimensionate populând orașul. Doar pe bulevardul Park te poți întâlni Maternitate (1989), Pisică (1984), Soldat Roman (1985), Venus culcat (1988), Femeie cu șarpe (1993), Tors (Man) (1992), Cal (1992), Femeie (1989), Om (1990), Violul Europei (1992), Femeie cu oglindă (1987), Pasăre (1990), Femeie așezată (1976) și Tors (Femeie) (1982).

Este o întrebare discutabilă dacă opera lui Botero este un corolar al hiperbolei umflate a unora dintre literaturile „boom” din America Latină. Nu-mi amintesc că obezitatea să fi jucat un rol important în oricare dintre narațiunile de boom, dar s-ar putea argumenta că zelul exagerat cu care personajul lui Vargas Llosa, căpitanul Pantoja și-a asumat misiunea de a furniza armatei cu prostituate, constituie un caz de disproporție gigantică. În mod similar, nuvela lui García Márquez Cel mai frumos om înecat din lume, despre un cadavru enorm care provoacă atât pofta, cât și milă printre femeile unui mic oraș de coastă columbian și ajunge să îmbunătățească postum viața locuitorilor săi, este un alt caz de mărire imensă.

Botero însuși a respins orice legătură literară cu operele sale într-un interviu acordat BBC în 2005. Mai mult, el respinge în mod explicit legătura operei sale cu opera lui García Márquez afirmând: „Nu fac realism magic. Ceea ce fac este improbabil, dar nu imposibil. ” Cu toate acestea, în interviul menționat, el pare mai interesat să pretindă prioritate decât în ​​similitudinile pe care le-am subliniat mai sus. „Dacă te uiți la cataloagele mele”, a spus el, „poți vedea că această lume rabelaiană apare în opera mea din 1955. García Márquez începe în 1966, când publică O suta de ani de singuratate.„Ideea mea este că García Márquez însuși nu s-ar fi putut simți confortabil cu descrierea operei sale ca„ realism magic ”sau chiar alternativa lui Alejo Carpentier„lo maravilloso.„În opinia mea, ambii termeni sunt o încercare de a explica un anumit conținut din narațiune, mai mult decât ceea ce se întâmplă la sursele narațiunilor sau modul în care acestea sunt prelucrate în scrierile autorilor, deoarece încorporează tradiții și credințe orale populare.

Când eram absolvent de filozofie în anii 1980, William Canady, profesor de arhitectură al Universității Rice, m-a întrebat timid dacă sunt familiarizat cu opera lui Fernando Botero, un artist a cărui pictură Pasăre în cușcă (1969) deținea un loc proeminent în frumoasa lui casă și pe care nimeni din Houston nu părea să o cunoască. Treizeci și șase de ani mai târziu, Houstonienii au șansa de a vedea o expoziție a acestui maestru latino-american la noua Galerie Art of the World de pe Westheimer. Am descoperit din păcate că este un spectacol puțin probabil să fi fost preluat de vreunul dintre muzeele noastre locale, chiar dacă multe muzee din întreaga lume au găzduit expozițiile majore ale lui Fernando Botero: Muzeul Național al Chinei, Muzeul de Artă din New Orleans, Delaware Muzeul de Artă, Kunsthal Rotterdam etc. etc.

Imagini oferite de Galeria Art of the World.

Imagine de copertă:

„Femeie în picioare” 1998
Ulei pe panza
81 x 49 inci - 206 x 124 cm
Semnat în dreapta jos
Pictura este însoțită de un certificat de autenticitate

Provenienţă
Achiziționat direct din studioul artistului

Fernando Castro este artist, critic și curator. Studii de filosofie la Universitatea din Rice cu un Fulbright vienez. Este membru al Comisiei tehnice FotoFest și al Houston Center for Photography Consulting Council. Editor și colaborator al revistelor Aperture Magazine, Art-Nexus, Revista Literaly Spot.