În Rusia nu mai este o datorie patriotică să adormi în Cehov

scenă

Seri în SUA lângă samovar, mesteacăn, o sfoară inexplicabilă și trei tinere care gemeau despre viața lor de provincie. Puține lucruri sunt mai plictisitoare decât Cehov rău. Plictiseala poate fi la fel de dureroasă pentru spectatorii teatrului, precum speranțele înăbușite și visele nerealizate sunt pentru personajele sale.

Dacă morozitatea este o modalitate de a-l ucide pe Cehov, o altă metodă, favorizată în afara Rusiei, este de a-și transforma piesele în comedii rigide de salon. În țara sa natală, Anton Cehov (1860-1904) a avut tendința, spre deosebire, de a avea viața venerată din el ca „dramaturg național”. Acest lucru era valabil mai ales în epoca sovietică. În afară de o explozie curajoasă de experimente din anii 1960, Cehov pe scenă a fost redus în perioada Stalin și după un mesaj puternic despre decăderea trecutului și promisiunea viitorului.

Lucrurile, din fericire, s-au schimbat, iar sezonul de teatru de toamnă al Moscovei este plin de producții care readuc viața în Cehov. Revigorarea este cea mai izbitoare la Teatrul de Arte din Moscova, unde piesele sale au avut toate premierele la începutul secolului, dar unde greutatea tradiției a atârnat de atunci ca o perdea veche. Producția lui Oleg Yefremov de „Trei surori” este doar a treia la teatru în acest secol și i-a trebuit un an și jumătate de repetiții pentru a renunța la trecut.

Producția teatrului de artă din Moscova din 1940 a avut un decor proiectat de Vladimir Dmitriyev în care o linie de mesteacăn se întindea la mare distanță. Vista simboliza interpretarea sovietică a piesei: când colonelul în vizită, Vershinin, visează la un viitor „inimaginabil de frumos, uimitor”, el prezice realizările comunismului. Această ortodoxie a fost atât de puternică încât a trebuit să fie închisă o montare mai aventuroasă a „Trei surori” în 1967, în regia lui Anatoly Efros, în care Vershinin vorbea ironic. Mai mulți actori de la Teatrul de Arte din Moscova au scris o scrisoare deschisă presei, plângându-se că producția l-a travestit pe Cehov.

Domnul Yefremov eliberează „Trei surori”. Setul său este un portic lung al casei Prozorovilor, înconjurat de o pădure de mesteacăn înalți, în care se reflectă lumina schimbătoare a anotimpurilor. La sfârșit, când surorile țin ultimul discurs, casa dispare și sunt cuprinse de copaci, căutând o ieșire, pierdute. Aleea de mesteacăn a devenit o pădure.

Delicatetea actorie întărește sentimentul de lipsă de speranță. Viktor Gvozditsky, care joacă rolul iubitului nenorocit Tuzenbakh, vorbește pentru mulți când spune că s-a plictisit în copilărie cu „Cehov-primarul școlii” și nu a putut vedea niciodată rostul tuturor acelor pauze și repetări. Lucrând cu domnul Yefremov, a descoperit puterea emoțională a dramaturgului. Tuzenbakhul său este un personaj extrem de vulnerabil, nervos optimist, dar mortal pasiv, fiind de acord cu un duel inutil.

Domnul Yefremov creează o stare de întuneric prea puternică. Chiar și în primele două acte, când ar trebui să radieze un oarecare optimism iluzoriu, cele trei surori Prozorov par aproape paralizate în timp ce cumnata noua lor riche Natasha își preia încet casa și viața.

Judecând după răspunsul acerb la noua producție, Cehov dă o coardă publicului. Un motiv poate fi că societatea contemporană din Moscova are puțin mai mult timp pentru reflecție. Ritmul schimbării a încetinit, iar rușii sunt preocupați mai puțin de amenințarea războiului civil decât de transformarea economică uimitoare, la fel ca străbunicii lor burghezi din anii 1890. „Starea principală de spirit în Cehov este cea a dorului și a înțelegerii. Oamenii se uită în jurul lor și se întreabă despre viața lor. Când totul se destramă, este mai dificil să-l punem în scenă ”, spune Anatoly Smelyansky, director artistic asociat al Teatrului de Arte din Moscova. În timpul scurtei explozii a experimentului artistic înainte și după revoluția rusă, subliniază el, Cehov a fost mai mult sau mai puțin ignorat.

Romancierul Andrei Bitov face un pas mai departe, considerând că publicul rus abia acum începe să-l aprecieze pe Cehov. Personajele sale provin dintr-o clasă proprietară a cărei identitate este legată de o concepție a banilor și a proprietății, care pentru majoritatea rușilor moderni este încă îndepărtată. "De ce Cehov este atât de popular în Occident?" Întreabă domnul Bitov. „Deoarece oamenii occidentali încă știu despre ce înseamnă să deții proprietăți și să dai faliment, aceste probleme sunt aproape de ei”.

Este potrivit ca cea mai populară piesă a momentului să fie ultima lui Cehov, „Livada de cireși”. Într-o nouă producție la Teatrul Sovremmenik, în regia lui Galina Volchek, un murmur de apreciere trece prin audiența inteligentă, în timp ce proprietarul terenului, plătit de datorii, Ranevskaya și iobagul devenit milionar Lopakhin, se ceartă despre viitorul livezii, pe care Lopakhin vrea să-l taie. în jos și transformați-vă în parcele de dacha. Dar asta este atât de vulgar, se plânge Ranevskaya, exprimând dezgustul vechii inteligențe pentru noua clasă de afaceri.

Producția doamnei Volchek trosnește comedia sexuală și conflictele de clasă pe măsură ce gospodăria se destramă și se dispersează în cele din urmă. Este plin de acea interacțiune socială rusă care este întotdeauna aproape de anarhie și se învârte nebunește între râs și lacrimi. În centrul piesei se află un spectacol măreț de Marina Neyolova, care o interpretează pe amanta casei Ranevskaya ca o primadonă descurcată. La fel ca Ranevskaya, doamna Neyolova locuiește de cele mai multe ori la Paris, ceea ce adaugă o margine descrierii unui personaj rupt între provinciile rusești și Franța.

Producția, care tocmai a plecat în Statele Unite în turneu, restabilește contururile sociale ale piesei, singurul în care Cehov dă cuvântul servitorilor și le lasă să-și bată joc de stăpâni în mod deschis. Părintele Yasha a jucat o atingere prea deschisă ca un „nou rus” purtând un costum galben și o vestă de var, în timp ce Lopakhin, harnic și îmbrăcat în negru, este mai înclinat să câștige simpatia oamenilor. La apelul cortină, cei patru non-aristocrați își iau arcul separat.

Ambele producții rămân în tradiția naturalistă începută de Cehov și urmărită de primul său director, Konstantin Stanislavsky. Însuși dramaturgul a lăsat instrucțiuni foarte precise despre cum ar trebui să arate și să fie interpretate personajele sale. Le-a dat vârste exacte și a lăsat instrucțiuni ca unchiul Vanya, de exemplu, să aibă haine inteligente, dar mototolite. Aceste noi înscenări sugerează că fidelitatea față de această tradiție dă roade. Piesele de teatru sunt alcătuite din o mie de nuanțe și schimbări bruște de dispoziție, care le conferă coerența și forța emoțională. Ei arată, de asemenea, că este nevoie de actori de primă clasă pentru a restabili imediatitatea lui Cehov. Pentru mulți replicile sunt atât de familiare încât chiar și domnul Yefremov le îneacă uneori cu muzică într-un mod pe care un regizor occidental nu l-ar face niciodată, de parcă presupunând că publicul său le știe oricum.

O altă producție regizată de Yury Pogrebnichko, o „Livadă de cireși” la puțin peste două ore, este înțeleaptă și discursivă - Cehov pentru cei care deja îl cunosc pe de rost. Nu există decorațiuni, ci doar un zid de cărămidă albă, cu o singură linie de cale ferată care trece în fața sa. Nu este doar calea ferată menționată în piesă, ci simbolizează temele sale de industrializare și de viață nouă care vine. În actul final, servitorul Firs își desfacă șireturile de pantofi în timp ce urcă pe scenă ca și cum ar fi ajuns într-un lagăr de prizonieri. Servitorii, care sunt îmbrăcați în ciorapi portocalii - muncitori feroviari sovietici sau călugări budiști - împrăștie petale albe de cireș peste personajele care pleacă. Acest ritual renăscător promițător surprinde frumos ambiguitatea sfârșitului piesei.

Producția domnului Pogrebnichko este mai degrabă un raid strălucit asupra lui Cehov și a temelor sale, decât o montare completă a „Grădina de cireși”, dar arată că Cehov în 1997 este deschis către noi posibilități. Până la centenarul morții dramaturgului în 2004, Rusia ar fi putut chiar să-l ajungă din urmă.

Acest articol a apărut în secțiunea „Mai mult decât atât” a ediției tipărite sub titlul „Director, cruță jocul”

Seri în SUA lângă samovar, mesteacăn, o sfoară inexplicabilă și trei tinere care gemeau despre viața lor de provincie. Puține lucruri sunt mai plictisitoare decât Cehov rău. Plictiseala poate fi la fel de dureroasă pentru spectatorii teatrului, precum speranțele înăbușite și visele nerealizate sunt pentru personajele sale.

Dacă distrugerea este o modalitate de a-l ucide pe Cehov, o altă metodă, favorizată în afara Rusiei, este aceea de a transforma piesele sale în comedii rigide de salon. În țara sa natală, Anton Cehov (1860-1904) a avut tendința, spre deosebire, de a avea viața venerată din el ca „dramaturg național”. Acest lucru era valabil mai ales în epoca sovietică. În afară de o explozie curajoasă de experimente din anii 1960, Cehov pe scenă a fost redus în perioada Stalin și după un mesaj puternic despre decăderea trecutului și promisiunea viitorului.

Ofertă de vacanță: 50% reducere în primul an

Obțineți claritate despre vremurile noastre în schimbare

Anulați în orice moment Anulați în orice moment Anulați în orice moment Anulați în orice moment

  • Noi filtrează zgomotul a ciclului zilnic de știri și analizați tendințele care contează
  • Vă oferim un jurnalism riguros, profund cercetat și verificat. De aceea, americanii ne-au numit lor cea mai de încredere sursă de știri în 2017
  • Disponibil oriunde te-ai afla—În format digital, tipărit și, în mod unic, în format audio, complet povestit de radiodifuzori profesioniști

Acest site web respectă toate cele nouă standarde de credibilitate și transparență ale NewsGuard.